Le hangar d'art de Beerse propose :

Sublime aquarelle 20x28 signée en bas au centre
Henk Kraayenzank - 1971 - Groningen, encadrée de la plus belle des manières.

Un aperçu du studio de Henk Kraayenzank v erscholen dans la Visserstraat, Groningen est le studio de Henk Kraayenzank. C'est peut-être l'un des plus beaux studios de la ville, et les détails révèlent le dévouement de l'artiste qui travaille sur son œuvre depuis les années 1970. Nous lui avons parlé de son art dans son atelier.
Au lycée, j'hésitais entre l'écriture et les arts visuels. Je ne suis pas quelqu'un qui a dessiné dès mon plus jeune âge ; pour moi, il s'agissait plutôt d'une recherche d'identité. J'ai grandi à la campagne et je me suis toujours senti à l'aise dans cet isolement. Je pense que cela m'a amené lentement à devenir artiste, même si je n'avais pas une idée précise de ce que cela signifiait à l'époque. J'ai travaillé dans le café d'une association d'artistes, et j'y ai trouvé un groupe d'âmes sœurs où je me sentais chez moi. Un après-midi, j'ai fait le vrai choix de devenir artiste. J'ai juste pris de la peinture et du papier, puis j'ai commencé à faire de l'art. C'était une décision très consciente et c'était le début de ma carrière.
J'ai fait le vrai choix de devenir artiste en un après-midi. En tant qu'artiste, mais certainement en tant qu'autodidacte, vous êtes tributaire des personnes que vous rencontrez. En fin de compte, une personne et son œuvre ne sont rien d'autre que la convergence d'une montagne d'influences. Cela prend parfois la forme de grands artistes tels que Kurt Schwitters ou Robert Rauschenberg, mais souvent, ce sont aussi les collègues que vous rencontrez et les conversations que vous avez avec eux. Patrick Modiano est un écrivain qui m'a toujours fasciné, non seulement à cause de son travail mais aussi à cause de son évolution en tant qu'écrivain. Il y a une évolution dans son travail qui ressemble un peu à ce qui se passe dans mon travail. Ses histoires sont construites avec un nombre très limité d'éléments de base : un père, une mère, la ville de Paris, une librairie/éditeur où il a travaillé, etc.
Le contexte est toujours différent : des éléments sont absents ou importants, il y a des sauts dans le temps, etc. Avec les mêmes éléments de base, il crée toujours quelque chose de différent, et quelque chose de similaire se produit également dans mon travail. Certains fragments d'images sont parfois absents pendant quelques années et réapparaissent ensuite d'une manière légèrement différente. Dans les premières œuvres de Modiano, il utilise ces fragments pour créer une autre histoire plus ou moins achevée, quelque chose qui a un début et une fin. Mais dans ses œuvres ultérieures, tout tombe en morceaux. Je pense que je me suis retrouvé au même endroit dans mon travail. Des personnages, des lieux, des événements apparaissent, mais ils ne mènent nulle part, ils disparaissent tout simplement. Les souvenirs ne sont que des fragments entretenant entre eux une relation infime. Cela ressemble aux fils de fer que j'utilise pour connecter les éléments de mon travail au cours des dernières années. Ces éléments sont des fragments distincts qui ne forment pas un tout, mais qui forment tout de même une relation passionnante les uns avec les autres.
Au fil des ans, mon travail s'est beaucoup développé. J'avais beaucoup d'énergie par le passé et je sentais que j'avais besoin de communiquer à travers mon art. Je voulais montrer à quel point la vie est belle et je devais raconter mon histoire. Après le décès de ma mère en 2006, j'ai utilisé beaucoup de matériel issu de son héritage, ce qui m'a apporté une charge émotionnelle. Mais cela peut désormais être échangé contre d'autres matériaux. Alors que mon art était autrefois un moyen de communication entre moi et le public, je demande maintenant principalement au public de se plonger dans mon travail lui-même.
Je m'assois à la table de travail, je commence à travailler, et c'est tout. Certains artistes s'appuient beaucoup sur les théories qui sous-tendent l'art, mais je m'assois simplement à la table de travail, je commence à travailler et c'est tout. Je ne travaille pas sous prétexte d'essayer d'inventer un nouveau langage visuel. Ma table de travail est toujours pleine de choses que je peux utiliser. Je travaille avec tout ce qui est disponible. J'en prends quelque chose et je le colle sur un chiffon ou un autre support, puis je me mets au travail. Ce que vous collez en premier meurt généralement le plus rapidement. Vous devez ensuite le démolir avec un marteau et un burin. L'apparence de l'œuvre change parce que les restes restent présents, et c'est ainsi que l'on construit lentement quelque chose. Très occasionnellement, une œuvre se réalise rapidement et constitue un processus simple, mais d'autres fois, vous travaillez pendant des semaines. La surface montre souvent à quel point le processus s'est déroulé sans heurts : si elle est assez propre, il ne lui est pas arrivé grand-chose. La peinture acrylique est difficile à travailler car elle peut difficilement être poncée. C'est une bataille fascinante avec certaines œuvres, même avec un petit panneau. Ce que je fais doit être passionnant à regarder et la composition doit être bien ficelée. Autrefois, mes œuvres étaient beaucoup plus colorées, mais aujourd'hui, la couleur s'estompe. L'œuvre est de plus en plus silencieuse et tend de plus en plus vers les assemblages plutôt que vers la peinture ou le dessin. Il se concentre davantage sur la composition, plutôt que sur moi, en tant qu'artiste, toujours à la recherche d'une écriture ou à la capture d'une émotion. Si j'ai l'impression que l'œuvre est « correcte », alors la combinaison des matériaux est passionnante. Je devrais être heureuse d'avoir le sentiment que l'œuvre s'intègre dans mon travail, tout en apportant quelque chose de nouveau. Il est difficile de mettre des mots sur ce que c'est exactement, mais cela réside dans des choses très minimes. La seule chose que je veux éviter à tout prix, c'est de me répéter. Cela devrait également rester amusant pour vous. »

Une aquarelle magnifiquement encadrée est vendue pas loin en dessous du prix demandé de 200,00 E.

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